Một số hình ảnh về nghệ thuật thị giác

MỘT SỐ HÌNH ẢNH VỀ NGHỆ THUẬT THỊ GIÁC

Balance – Cân bằng

Một trong số các nguyên tắc cần có nhất, quan trọng nhất là Nguyên tắc Cân bằng.

Bất kỳ một thiết kế đồ họa, hay một tác phẩm nghệ thuật đều phải thực hiện tốt yếu

tố cân bằng.

Nó là gì và làm thế nào là nó đạt được trên một bề mặt phẳng? Để trả lời câu hỏi

này, chúng ta phải nghĩ về một tác phẩm ba chiều của nghệ thuật. Nếu các phần

không thể cân bằng hoặc được giữ, chúng sẽ đổ.

Đối với hình ảnh tạo ra trên một bề mặt bằng phẳng như một thiết kế hay một bức

tranh sơn dầu cùng một nguyên tắc cân bằng được áp dụng. Tuy nhiên, thay vì có

thể chất cân bằng thực tế, các nghệ sĩ cần phải tạo ra một ảo giác về sự cân bằng,

được gọi là cân bằng thị giác

Trong cân bằng thị giác, mỗi khu vực của bức tranh cho thấy một trọng lượng hình

ảnh nhất định, một mức độ nhất định nhẹ hoặc nặng. Ví dụ, màu sắc ánh sáng xuất

hiện nhẹ hơn trọng lượng hơn so với màu tối. Màu rực rỡ ảnh hưởng thị giác nặng

hơn màu sắc trung tính trong cùng khu vực.

Màu sắc ấm như màu vàng có xu hướng mở rộng diện tích về kích thước, trong

khi màu lạnh như màu xanh có xu hướng giữ diện tích. Và trong suốt ảnh hưởng

thị giác ít nặng hơn các khu vực mờ đục.

Trong nguyên tắc cân bằng có hai dạng: Cân bằng đối xứng và Cân bằng bất đối

xứng.

Cân bằng đối xứng:

Đây là dạng cân bằng phổ biến trong tự nhiên. Chia ra bởi một trục giữa và không

có sự khác biệt trong hai bên.

Cân bằng bất đối xứng

Cân bằng bất đối xứng được sử dụng hầu hết trong các thiết kế và các tác phẩm

nghệ thuật.

Bất đối xứng cân bằng là khi cả hai bên trục trung tâm là không giống nhau,

nhưng vẫn xuất hiện để lại cùng trọng lượng thị giác. Nó là một sự "cảm thấy" cân

bằng hoặc cân bằng giữa các bộ phận của một thành phần hơn là thực tế. Nếu các

nghệ sĩ có thể cảm nhận, đánh giá và ước tính các yếu tố khác nhau và trọng lượng

thị giác, điều này sẽ cho phép anh ta / cô ấy tạo sự cân bằng tổng thể.

Chúng ta có thể sử dụng các yếu tố, màu sắc, kích thước, hình dáng, không gian, số

lượng, sắc độ để tạo nên Cân bằng bất đối xứng.

Trong thiết kế đồ họa bắt buộc phải có sự cân bằng.

Bức bữa tiệc cuối cùng của Davinci là ví dụ mẫu mực về yếu tố Cân Bằng trong

nghệ thuật

Tương phản – Contrast

Sau nguyên tắc Cân bằng thì nguyên tắc Tương phản cũng là một nguyên tắc cần

chú ý cho thiết kế của bạn.

Tương phản trong nghệ thuật và thiết kế xảy ra khi hai yếu tố liên quan là khác

nhau. Quá nhiều điểm giống nhau của các thành phần trong thiết kế sẽ trở thành

đơn điệu. Nói cách khác việc sử dụng tương phản quá ít có thể gây ra một thiết kế

nhạt nhẽo và nhàm chán. Mặt khác quá nhiều tương phản có thể là khó hiểu.

Tương phản xảy ra ra khi bạn sử dụng cùng lúc Màu sắc (Nóng – Lạnh), Đường

nét ( Thẳng – cong, ngang- đứng v.v.), Hình khối (Đặc – rỗng, Lớn – nhỏ), Hình

dạng (Vuông – Tròn), Chất liệu (Mịn – thô ráp) Nhịp điệu (Nhanh – Chậm),

Không gian (rộng – hẹp), Đồng nhất – Khác biệt, Hướng v.v.

Để có sự tương phản màu sắc bạn cần hiểu vòng tròn màu. Trong vòng tròn màu,

hai màu nắm đối diện nhau tạo nên tương phản mạnh nhất. Hiểu và sử dụng tốt

màu sắc không hề đơn giản. Để giúp các bạn nắm rõ hơn iDesign sẽ chuẩn bị bài

về lý thuyết và các cách sử dụng màu sắc và đăng trong tuần tới.

Tương phản về hình khối – người thiếu nữ và bóng của người này.

Tương phản về chất liệu được sử dụng khá phổ biến trong nhiếp ảnh

Tác phẩm này hiện diện tương phản về sắc độ và đường nét (cột chống và sợi

xích)

Và còn rất nhiều ví dụ bạn có thể thấy khắp nơi ở các thiết kế, các tác phẩm nghệ

thuật. Có thể nói nguyên tắc tương phản là nguyên tắc phổ biến nhất của các nhà

thiết kế và các họa sĩ.

Tương phản và Cân bằng cần sự phối hợp chặt chẽ. Bạn có thể sử dụng tương

phản theo một số quy luật kinh điển như Golden Ratio với các tỉ lệ: 1:414, 1:618.

Chuyển động – Movement

Movement là con đường đôi mắt của chúng ta theo khi chúng ta nhìn vào một tác

phẩm nghệ thuật.. Mục đích của Movement là tạo ra sự thống nhất trong các tác

phẩm nghệ thuật khi dùng mắt để theo dõi.

Nó có thể đạt được bằng cách sử dụng sự nhịp điệu, sắp xếp, nét bút v.v. Chuyển

động – Movement quan hệ công tác với nhau bằng liên kết các thành phần khác

nhau của một tác phẩm với nhau.

Bằng cách sắp xếp các yếu tố thành phần theo một cách nào đó, một nghệ sĩ/ nhà

thiết kế kiểm soát sự chuyển động của mắt của người xem trong và xung quanh các

thành phần với các bức tranh/ thiết kế.

Yếu tố chuyển động trong nhiếp ảnh.

Vangogh là một trong những họa sĩ bậc thầy về sử dụng nét bút tạo sự chuyển

động trong các tác phẩm.

Sắp xếp các yếu tố có chủ ý nhằm tạo sự liên lạc, chuyển động gắn kết trong một

tác phẩm.

Nhấn mạnh – Emphasis

Nhấn mạnh là sự nhấn mạnh của một khu vực cụ thể tập trung hơn là trình bày một

mê cung của các chi tiết quan trọng tương đương.

Trong nghệ thuật và đặc biệt trong thiết kế Nhấn mạnh là một nguyên tắc không

thể thiếu của mỗi thiết kế, mỗi tác phẩm.

Chúng ta có thể dùng các nguyên tắc Cân Bằng bất đối xứng, Tương phản,

Chuyển động, để tạo nên nhấn mạnh nổi bật cho một đối tượng, cho một thông

điệp mà bạn muốn truyền tải từ sáng tạo của mình.

Ví dụ đơn giản về Nguyên tắc nổi bật với việc sử dụng màu nóng (mặt trời), màu

lạnh (khung cảnh). Đồng thời dòng sông tạo thành đường dẫn hướng mắt người

xem vào yếu tố nổi bật nhất.

Một cách để đạt được nhấn mạnh là tạo ra trung tâm của sự quan tâm, hay còn

gọi là một tâm điểm. Một khu vực trung tâm là khu vực mà mắt có xu hướng tập

trung vào đó. Nó là trọng tâm của sự chú ý của người xem.

Thiếu nữ bên hoa huệ của Tô Ngọc Vân. Trong tác phẩm này xuất hiện Chuyển

động – Movement từ tay thiếu nữ, tới bông hoa, tớ gương mặt, rôì tới bờ vai, rồi lại

chạy tới tay, tạo thành một vòng khép kín. Khiến gương mặt ghé vào bông hoa

thành trung tâm nổi bật của tác phẩm.

Cách thứ hai để tạo ra sự nhấn mạnh là bằng cách tương phản yếu tố chính với các

vật khác, hoặc nhấn mạnh có thể được tạo ra bởi một thay đổi đột ngột về hướng,

kích thước, hình dạng, kết cấu, giai điệu, màu sắc hoặc đường nét.

Unity – Đồng nhất

Đồng nhất là nguyên tắc phổ biến trong thiết kế hiện đại. Nguyên tắc này đề nghị

người thiết kế sử dụng những yếu tố, đối tượng, màu sắc giống nhau xuyên suốt

trong các tác phẩm của mình.

Bạn biết Unity đã đạt được khi tất cả các khía cạnh của thiết kế bổ sung cho nhau

chứ không phải là cạnh tranh cho sự chú ý. Nó phục vụ để tăng cường mối quan hệ

giữa các yếu tố thiết kế và liên quan đến các chủ đề chính được thể hiện trong tác

phẩm.

Ví dụ bạn nên sử dụng tối đa 2-3 loại font , 2-3 màu sắc, không quá 2-3 layout cho

một thiết kế của mình Đồng nhất cũng là 1 nguyên tắc của việc thiết kế những Bộ

nhận diện thương hiệu (BIS)

Unity là mối liên kết giữa các yếu tố khác nhau trong nghệ thuật và thiết kế.

Đồng nhất hoàn thành khi tạo ra: Đồng nhất tạo cảm giác riêng tư – Đồng nhất

cung cấp cho các yếu tố xuất hiện một cảm giác chúng thuộc về nhau.

Một số cách để tạo sự đồng nhất cho tác phẩm của bạn là: Làm chúng giống nhau.

Tạo sự liên tục. Sắp xếp có liên kết và Đặt gần nhau.

Nhịp điệu Rhythm

Nhịp điệu xuất hiện rất phổ biến trong đời sống chúng ta. Bạn có thể gặp nó trong

những bài hát, những hàng gạch, những hoa văn lặp đi lặp laị, những hàng cây bên

đường, những dãy nhà bạn đi qua v.v.

Nhịp điệu chính là sự nhắc lại (đều, nhanh- chậm, dày đặc – thưa thớt) một cách

có chủ đích các hình dạng, hình khối, màu sắc.

Sử dụng Nhịp Điệu tốt giúp bạn truyền tải cảm xúc của mỗi thiết kế, mỗi tác

phẩm.

Ví dụ: Bạn sử dụng 1-2 màu liên tục khiến tác phẩm có sự yên bình, ổn định

nhưng cũng có thể nhàm chán (nếu không thành công), sử dụng vài gram màu sinh

động liên tục khiến tác phẩm có sự vui tươi hoặc lộn xộn (nếu không thành công)

Propotion – Tỉ lệ

Tỷ lệ trong nghệ thuật là mối quan hệ hài hòa, so sánh giữa hai hay nhiều yếu tố

trong một thành phần liên quan đến kích thước, màu sắc, số lượng, sắp xếp, sắc độ,

vv, nghĩa là tỷ lệ.

Một mối quan hệ được tạo ra khi hai hay nhiều yếu tố được đặt chung trong một

bức tranh. Mối quan hệ này được cho là hài hòa khi một tỉ lệ mong muốn tồn tại

giữa các yếu tố.

Dùng Tỉ lệ tốt là cách sử dụng các yếu tố, các nguyên tắc nghệ thuật một cách phù

hợp để tạo sự Cân Bằng. Tỉ lệ chuẩn chúng ta được nghe tới không gì khác ngoài

các Golden Ratio quen thuộc.

Trong nghệ thuật Tỉ lệ nằm trong mắt các họa sĩ, có có một cảm quan nghệ thuật

siêu việt để nhận ra các tỉ lệ thích hợp về màu sắc, hình khối, không gian… để sử

dụng phù hợp

Trong thiết kế Tỉ lệ được thông qua Golden Ratio, thông qua Hệ thống lưới. Sử

dụng tỉ lệ theo những nguyên tắc đã có khiến bạn có sự chuyên nghiệp, chuẩn mực

trong mỗi thiết kế đồ họa của mình.

Symplicity – Đơn giản

Đơn giản trong nghệ thuật, còn được gọi là nền kinh tế thị giác hoặc thiết kế tối

thiểu. Là bỏ qua tất cả các cần thiết hoặc bỏ các yếu tố quan trọng không, và chi

tiết mà không thực sự đóng góp vào bản chất của các thành phần tổng thể nhằm

nhấn mạnh những gì là quan trọng.

Rất nhiều vẻ đẹp và kỹ năng trong thiết kế tốt tập trung vào việc vứt bỏ những gì

ra ngoài, thay vì cố gắng bao gồm tất cả mọi thứ bạn có thể. Đỉnh cao của nguyên

tắc này là khi bạn chuẩn bị thiết kế, hoặc vẽ thêm cái gì đó mới cho tác phẩm của

bạn, bạn dừng lại và nói "OK thế là đủ"

VẤN ĐỀ CƠ BẢN CỦA NGUYÊN LÝ THỊ GIÁC

Nguyên lý thị giác gắn bó mật thiết với bất kì bố cục nào, bất luận đó là bố

cục của 1 bức tranh hay tạo hình cho 1 sản phẩm ứng dụng với nội dung hoàn

toàn trang trí (deleorativ) chỉ để bắt mắt hay ngay cả đối với các hiện vật mà cảm

thụ thị giác chỉ đóng vai trò thứ yếu.

Nguyên lý thị giác của cơ sở tạo hình không bao giờ nhàm chán và lỗi thời

nếu luôn bám vào các quy lluaatj của tự nhiên.

Nó tồn tại độc lập, khách quan trước những xu thế thời thượng.

Nguyên lý thị giác bao gồm các định luật thị giác:

 Định luật của sự gần

 Định luật của sự đồng đều

 Định luật hẹp – rộng

 Định luật của sự khép kín

 Định luật của kinh nghiệm

 Định luật của sự nhấn

 Định luật của sự chuyên đổi

 Định luật cân đối

Những đặc tính thị giác:

 Cảm thụ sắc độ của thị giác

 Từ chối nhìn chi tiết quá phức tạp

 Nhìn tổng thể & nhìn phân tích

 Nhìn ngược hướng lớn

 Luôn muốn có vùng nghỉ mắt

 Lưu bóng ảnh tương phản

CÁC TRƯỜNG PHÁI NGHỆ THUẬT

Trường phái hậu ấn tượng

Hậu ấn tượng là tên gọi chung để chỉ tới những nghệ sĩ thuộc thời kỳ sau trường phái

ấn tượng. Trường phái ấn tượng là một bước ngoặt trong hội họa, rũ bỏ những quan

niệm từng tồn tại rất nhiều năm ở châu Âu. Từ sau ấn tượng, nhiều nghệ sĩ độc lập tìm

tòi sáng tạo và đi theo các hướng khác nhau. Mặc dù họ không có phong cách sáng tác

giống nhau, nhưng được gọi chung là hậu ấn tượng. Thuật ngữ này do nhà phê bình

người Anh Roger Fry đặt ra chỉ những họa sĩ như Paul Cézanne, Paul Gauguin,

Vincent Van Gogh. Nghiên cứu về các họa sĩ này cũng cho thấy sự phát triển của nghệ

thuật Pháp thời gian cuối thế kỷ 20.

Các nghệ sĩ hậu ấn tượng từ chối rập khuôn theo chủ nghĩa ấn tượng và từng người

tìm cách nổi bật cá tính của mình, có thái độ biểu hiện chủ nghĩa trong hình họa, màu

sắc và cách giải quyết đề tài. Đó thực sự làm nên một nghệ thuật mới với những tuyên

ngôn thẩm mĩ khác, không giống với nghệ thuật và kĩ thuật của xu hướng ấn tượng mà

họ cùng tham gia trước đó. Ba họa sĩ Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh

với ba phong cách hiện thực đã làm phong phú và đa dạng một thời kỳ ngắn ngủi

nhưng vang dội và đầy hấp dẫn của của nghệ thuật. Họ báo hiệu cho các trào lưu sẽ

nở rộ ở thế kỷ 20.

Trường phái dã thú

Tranh của Maurice de Vlaminck

Để chống chọi với trường phái Ấn tượng, quá chú trọng đến ánh sáng mà quên đường

nét của cảnh vật, nên trường phái Dã thú ra đời.

Trường phái Dã thú có sự phản ứng mạnh mẽ chống lại trường phái Ấn tượng, chống

lại sự mất mát không gian do dùng quá nhiều ánh sáng, do sự phân tích tỉ mỉ, không

theo quy luật nào, vì thế chỉ là sự ngẫu nhiên và không có suy tính trước. Sự cần thiết

cho họa sĩ trường phái Dã thú là màu sắc, chứ không phải vẽ như thấy thực tế, mà là

phải sáng tạo sắc độ. Bức tranh là một bố cục nhiều màu, không phải là sự sao chép

thiên nhiên; là sự liên tục tạo hình sống động, không là cảnh sắc vặt vụn, là một sự bố

cục màu sắc mạnh bạo, không phải là sự tình cờ đẹp mắt.

Năm 1905, triễn lãm mùa thu ở Paris có một phòng tranh giới thiệu những tác phẩm

mới, đặc biệt dữ dội về màu sắc. Công chúng xem tranh phản ứng khác nhau, vì có

một sự thật là một loạt tiêu chí hội họa cổ điển nữa đang bị phá vỡ. Phòng tranh được

nhà phê bình LuisVauxcelles gọi là ” Chuồng dã thú “, và cái tên Dã thú đã bước vào

lịch sử hội hoạ Thế giới. Tên goi đó rất phù hợp với các họa sĩ này bởi vì những màu

sắc mà họ sử dụng là dữ dội một cách cố tình.

Khuynh hướng Dã thú ra đời đầu thế kỷ XX, phát triển cực thịnh năm 1905 – 1906, có

dấu hiệu suy tàn năm 1907 và chấm dứt hoạt động trước chiến tranh Thế Giới thứ nhất

để chuyển sang những phong cách rất khác nhau. Những thành viên tiêu biểu là: Henri

Matisse, Vlaminck, Derain, Van Doghen, Marquet, Dufy….

Hầu hết thành viên của trường phái Dã thú là người Pháp và trẻ tuổi. So với khuynh

hướng Ấn tượng, sự xuất hiện của hội họa Dã thú mang tính chất đảo lộn, phủ định

hơn rất nhiều. Tất cả đều cùng ý chí ” Nổi loạn màu sắc”, Vlaminck và Derain tuyên bố

sẽ ” Đốt trụi trường Mỹ thuật bằng các sắc xanh Cobalt và đỏ son”.

Để thực hiện tham vọng sáng tạo một nền hội họa mới, các họa sĩ Dã thú chủ trương

phất cao lá cờ tự do, không lệ thuộc vào đề tài, vào thiên nhiên và sử dụng màu sắc

một cách mạnh mẽ nhất, dùng màu nguyên chất tạo sự tương phản mạnh và vứt bỏ

khối vờn, bỏ diễn tả sáng tối. Theo họ như vậy tranh mới phát huy được hết các cường

độ và âm hưởng của màu, mới tương ứng với tình cảm mạnh mẽ của lớp thanh niên

đầu thế kỷ. Nhãn thức Dã thú đã đưa hội họa đến một không gian chói chang. Họ sử

dụng bút pháp phóng đại cường điệu. Con người và sự vật trong tranh được vẽ bởi

những nét rất dứt khoát và đậm. Với họ, bức tranh phải thể hiện cá tính mạnh mẽ, biểu

hiện những tư tưởng tình cảm và rung động chủ quan của tác giả.

Trường phái biểu hiện

Bức tranh Tiếng thét của Edvard Munch

Chủ nghĩa biểu hiện hay Trường phái biểu hiện (Expressionism) là một trào lưu nghệ

thuật xuất hiện và phát triển ở châu Âu vào những năm cuối thế kỷ 19 đầu thế kỷ 20, có

đặc điểm nhấn mạnh, thậm xưng trong sự thể hiện cảm tính – xúc cảm của chủ thể

(thường là cảm xúc con người hoặc một nhóm người) hoặc xúc cảm của chính người

họa sĩ. Những cảm xúc này thường được gây ra bởi một sự kiện đặc biệt nào đó, cũng

có thể bởi sự gặp mặt-giao lưu của nhiều người hoặc sự giao lưu của những xu hướng

hội họa khác nhau (như cổ điển và hiện đại).

Chủ nghĩa biểu hiện thể hiện trong nhiều dạng nghệ thuật, từ hội họa, kiến trúc cho đến

văn học, thơ ca, nhạc kịch và điện ảnh.

Trường phái lập thể

Tranh của Pablo Picasso

Chủ nghĩa lập thể, còn gọi là trường phái lập thể, (Cubism) là một trường phái hội họa

tạo ra cuộc cách mạng về hội họa và điêu khắc châu Âu vào đầu thế kỷ 20.

Trong tác phẩm của họa sỹ lập thể, đối tượng được mổ xẻ, phân tích và được kết hợp

lại trong một hình thức trừu tượng. Người họa sỹ không quan sát đối tượng ở một góc

nhìn cố định mà lại đồng thời phân chia thành nhiều mặt khác nhau, nhiều khía cạnh

khác nhau. Thông thường các bề mặt, các mặt phẳng giao với nhau không theo các

quy tắc phối cảnh làm cho người xem khó nhận ra chiều sâu của bức tranh.

Chủ nghĩa lập thể do Georges Braque và Pablo Picasso khởi xướng năm 1906 tại khu

Montmartrecủa kinh đô ánh sáng Paris, Pháp. Họ gặp nhau năm 1907 và làm việc cùng

nhau cho đến năm 1914 khi Đệ nhất thế chiến bắt đầu.

Nhà phê bình hội họa người Pháp Louis Vauxcelles sử dụng danh từ “lập thể” lần đầu

tiên để ngụ ý rằng đó là những hình lập phương kỳ quặc vào năm 1908. Sau đó danh

từ này được hai nhà khai phá của trường phái lập thể sử dụng một vài lần và sau đó

thành tên gọi chính thức.

Trường phái Lập thể khai sinh ở đồi Montmartre, sau đó lan ra các họa sỹ khác ở gần

đó và được nhà buôn tranh Henry Kahnweiler truyền bá. Nó nhanh chóng trở nên phổ

biến vào năm 1910 và được gọi là chủ nghĩa lập thể. Tuy nhiên, một số họa sỹ khác

cũng tự coi là họa sỹ lập thể khi đi theo các khuynh hướng khác với Braque và Picasso.

Lập thể ảnh hưởng tới các nghệ sỹ vào thập niên 1910 và khơi dậy một vào trường

phái nghệ thuật mới như chủ nghĩa vị lai, chủ nghĩa cấu trúc và chủ nghĩa biểu hiện.

Các nghệ sỹ thiên tài, Braque và Picasso mở ra phương pháp mới trong cách diễn đạt

và thể hiện không gian trong hội họa nhưng chính họ lại bị ảnh hưởng của các nghệ sỹ

khác như Paul Cezanne, Georges Seurat, điêu khắc Iberi, nghệ thuật điêu khắc châu

Phi và như sau này Braque thừa nhận, họ bị ảnh hưởng bởi chủ nghĩa dã thú.

Các họa sỹ lập thể nổi tiếng của trường phái này: Georges Braque, Marcel Duchamp,

Juan Gris, Fernand Leger, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Marie Marevna, Jean

Metzinger, Francis Picabia, Pablo Picasso, Liubov Popova, Marie Vassilieff, Fritz

Wotruba…

Trường phái tương lai

Tranh của Umberto Boccioni

Chủ nghĩa tương lai là một trường phái nghệ thuật bộc lộ một cách trần trụi sự bất mãn

với xã hội đương thời. Trường phái này nổi bật nhất ở Italy.

Các họa sĩ của trào lưu Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Severini, Luigi

Russolo đã mượn kỹ thuật điểm mảng màu của trường phái Ấn tượng mới và trường

phái Lập thể để chồng chéo hình thức, nhịp điệu, màu sắc và ánh sáng, qua đó thể hiện

một “cảm giác động” và tính đồng thời của các trạng thái tâm hồn, cấu trúc phức tạp

của thế giới.

Trường phái Dada (Dadaism)

Tranh của Jean Arp

Những người theo trường phái dadaism đã cố gắng làm rõ tất cả những ý tưởng và

nguyên tắc mới lạ.

Ða đa là một phong trào văn học nghệ thuật (nhất là hội hoạ) phản kháng dữ dội của

các nghệ sĩ và các nhà văn Âu Mỹ, cống lại sự tự mãn, trong đó, những sức mạnh sáng

tạo nghệ thuật được hướng vào việc chống lại nghệ thuật. Phong trào nầy sinh ra do

tâm trạng vỡ mộng vì ảnh hưởng của Ðại chiến thế giới lần thứ nhất, mà một số nghệ

sĩ thuộc nhiều khuynh hướng khác nhau đã phản ứng lại một cách mỉa mai, cay độc,

thậm chí với những tư tưởng vô chính phủ nữa. Qua những thể hiện của họ, cái phi lý

và tư tưởng phản kháng là hai điểm nổi bật nhất.

Những họa sĩ tham gia trong trường phái Đa đa phải kể: Apollinaire, Marinetti, Picasso,

Modigliani, Kandinsky. Tháng 3/1917, một Gallery của trường phái Đa đa ra đờiở

Bahnhofstrasse. Tháng 7/1917, cuốn sách đầu tiên của trường phái Đa đa được xuất

hiện do hai hoạ sĩ Đa đa thực hiện là Tzana Do Janko và Hans Arp. Một đoạn viết về

lịch sử của trường phái Đa đa do Huelsenbeck công bố (7/1920) ở Hanover cho rằng:

“Trường phái Đa đa họp tại quán Voltaire tập trung các nghệ sĩ nhạy cảm với sự phát

triển những cách thể hiện mới”.

Trường phái siêu thực

Tranh của Joan Miró

Trường phái surrealissm đã phô bày những tác phẩm nghệ thuật bằng trang và bằng

chữ viết. Họ nhấn mạnh đến sức mạnh của trí tuệ khi tạo ra những tác phẩm nghệ

thuật có ý nghĩa.

Với trường phái hội họa này, những chủ thể rất bình dị được đặt trong một phông màn

hoặc bí ẩn, hoặc hùng vĩ, khiến cho bức tranh mang một sức sống mới, ý nghĩa mới,

như tồn tại trong mơ cùng những sự vật hiện thực trong trạng thái không thực.

Trường phái ấn tượng trừu tượng

Tranh của Jackson Pollock

Trong khoảng thời gian ngắn, nước Mỹ đã phải trải qua một thời kỳ mà phong trào nghệ

thuật lên cao. Trường phái ấn tượng trừu tượng này đã đánh dấu một kỷ nghuyên trong

lịch Mỹ. Trường phái De Stijl bao gồm một loại hình nghệ thuật mới, đó là kiến trúc

nghệ thuật hiện đại. Trường phái này sử dụng những tài năng của các nghệ sỹ để thiết

kế nhà cửa, công trình và đồ đạc.

Trường phái Kinetic Art

Tác phẩm của nhà điêu khắc Naum Gabo

Trường phái nghệ thuật này đóng vai trò rất quan trọng bởi vì nó đã khai thác được các

khía cạnh nghệ thuật cảm xúc. Bản thân trường phái này đã chứa đựng rất âm bội bao

gồm có những âm bội của nền văn hoá nghệ thuật, tự nhiên và khoa học kỹ thuật.

Trường phái này chủ trương khai thác các khía cạnh nghệ thuật cảm xúc.

Trường phái Pop Art

Bức họa Marilyn Monroe của Rebecca Rhys Butler

Pop Art là trào lưu nghệ thuật mới ra đời ở Anh trong thập kỷ 50 của thế kỷ 20. Song

nơi nó phát triển rực rỡ nhất và để lại dấu ấn trong lịch sử mỹ thuật chính là tại Mỹ.

Pop Art nổi tiếng với các bức họa lấy những đề tài bình dân, phổ biến với mọi người

như các thần tượng mà mọi người tôn thờ trong ca nhạc, phim ảnh, nhãn mác sản

phẩm, tranh quảng cáo, bao bì sản phẩm… thậm chí đôi giày, tờ báo… làm chủ đề

chính để sáng tạo nghệ thuật.

Cách thể hiện của trường phái Pop Art chấp nhận tất cả các cách có thể. Bức họa

“Marilyn Monroe” là một trong những tác phẩm tiêu biểu cho Pop Art, tác phẩm này thể

hiện bằng phương pháp in lưới, bằng máy. Nhiều tác phẩm khác được thể hiện bằng

phần mềm máy tính, in bằng máy. Nhiều tác phẩm gắn cả “vật thật” như báo chí,

****************** bia, chai lọ… lên tranh. Một số bức họa đắt giá nhất của trường phái

này vốn là minh họa cho truyện tranh.

Trường phái Op Art

Tranh của Victor Vasarely

Sự ra đời của trường phái này được gắn với tạp chí Time. Vào năm 1964, tạp chí này

đã đăng một bài báo nói về một làn sóng nghệ thuật mới liên quan đến ảo giác.

Trường phái Minimalism

Tranh của Frank Stella

Trường phái này nhận được rất nhiều sự chỉ trích từ công chúng vì họ khó có thể chấp

nhận được một dãy hình lập phương, hai hình chữ nhật đặt cạnh nhau hay năm khối

hình hộp treo trên tường lại có thể được gọi là nghệ thuật. Đơn giản hóa mọi thứ tối đa,

kiệm lời là đặc điểm của trường phái Minimalism.

Trường phái nghệ thuật nhận thức

Tranh của Lucio Fontana

Chính trường phái này đã chấm dứt kỷ nguyên được gọi là “nghệ thuật hiên đại”. Ngày

nay, trường phái hậu hiện đại, tân hiện đại và nghệ thuật nhận diên đã chiếm ưu thế

trong thị trường nghệ thuật. Các nghệ sỹ của ngày hôm nay không còn là một phần của

nguồn nghệ thuật tập thể nhưng họ đã đào sâu những xu hướng và ý tưởng mới thay

đổi từ năm này sang năm khác.

Trường phái nghệ thuật nhận thức này đã giúp chúng ta đem lại độc lập, và trong một

khía cạnh nào đó nó đã hoàn thành một kỷ nguyên với những tư tưởng nghệ thuật mới,

mà khởi đầu là từ trường phái ấn tượng cách đây 100 năm.

Các trường phái hội họa khác

Gần gũi nhất với chúng ta ở Châu Á, có thể nói đến các trường phái Thư pháp, Thủy

Mặc của Trung Quốc, cũng có sức ảnh hưởng rất lớn tới các quốc gia trong khu vực,

và trở thành hiện tượng mới làm ảnh hưởng sang cả Châu Âu, Châu Mỹ.

Kết luận

Mỗi trường phái hội họa đều có quan điểm riêng về cái đẹp, quyết định riêng việc lựa

chọn đề tài, phương cách vận dụng ngôn ngữ tạo hình và xử lý kỹ thuật chất liệu riêng

để đạt hiệu quả mong muốn. Xã hội càng phát triển, nhận thức của con người càng cao

thì các trường phái hội họa càng lớn mạnh, càng xuất hiện nhiều trường phái mới.

CÁC DỰ ÁN VỀ NGUYÊN LÝ THỊ GIÁC

Việt Nam tham gia ngày hội nghệ thuật đương đại ĐNA

Bangkok Art and Culture Centre (Trung tâm Nghệ thuật và Văn hóa Bangkok) của

Thái Lan sẽ tổ chức một triển lãm mới về nghệ thuật thị giác đương đại trong khu

vực với tên gọi “Tranh luận khái niệm Bối cảnh: Nghệ thuật và tập thể trong khu

vực Đông Nam Á,”diễn ra từ nay cho đến đầu tháng 3/2014, nhằm kỷ niệm hội

nhập ASEAN vào năm 2015.

Các nghệ sỹ tham gia sân chơi nghệ thuật đương

đại Đông Nam Á. (Ảnh: BTC)

Bangkok Art and Culture Centre (Trung tâm Nghệ thuật và Văn hóa Bangkok) của Thái Lan sẽ tổ

chức một triển lãm mới về nghệ thuật thị giác đương đại trong khu vực với tên gọi “Tranh luận

khái niệm Bối cảnh: Nghệ thuật và tập thể trong khu vực Đông Nam Á,”diễn ra từ nay cho đến

đầu tháng 3/2014, nhằm kỷ niệm hội nhập ASEAN vào năm 2015.

Tại sự kiện, Việt Nam cũng góp mặt với các nghệ sỹ Bùi Công Khánh, Nguyễn Văn Cường, Phan

Thảo Nguyên, Tùng Mai và đặc biệt có các tác phẩm của cố nghệ sỹ Vũ Dân Tân.Đặc biệt, hơn 40

nghệ sỹ nổi tiếng của ba thế hệ đến từ tám quốc gia mang đến gần 50 tác phẩm nghệ thuật

tương tác, tác phẩm dựa trên văn bản, hội họa, nhiếp ảnh, nghệ thuật âm thanh... và bao gồm

một số tác phẩm ở dạng trò chơi.Những tác phẩm của các nghệ sỹ từ Thái Lan, Indonesia,

Philippines, Việt Nam, Malaysia, Singapore, Myanmar và Campuchia sẽ khái quát một trong

những chủ đề quan trọng nhất của nghệ thuật đương đại khu vực và các địa phương bắt nguồn

từ tư duy khái niệm được sử dụng để tham gia vào các ý tưởng cho tập thể, cho nghệ thuật

đương đại Đông Nam Á bốn thập kỷ qua.Chương trình nghệ thuật đương đại này được đánh giá

lớn nhất Đông Nam Á và đã từng được tổ chức tại Thái Lan với chủ đề “Concept Context

Contestation: art and the collective in Southeast Asia” dưới sự giám tuyển của Iola Lenzi, Agung

Hujatnikajennong và Vipash Purichanont./.